Una sinfonía entre el cine mudo y Radiohead
Ver Nosferatu de 1922 acompañado por los álbumes Amnesiac y Kid A de Radiohead transforma por completo la experiencia cinematográfica. La atmósfera densa y emocional de estas obras musicales encaja sorprendentemente bien con las imágenes del filme de F.W. Murnau. La idea de acompañar clásicos del cine mudo con música moderna no es nueva, pero experimentar este matrimonio de arte en un ambiente personal fue algo que llevó la experiencia a otro nivel.
La idea nació del proyecto “Silents Synced”, donde clásicos del cine mudo son acompañados por música moderna. Inspirados por esta iniciativa, mi amiga, gran fan de Radiohead, y yo, apasionado del cine clásico, organizamos una proyección casera. Ella llegó emocionada con sus vinilos de Amnesiac y Kid A, mientras yo preparaba la película original encontrada en YouTube. La sincronización de los vinilos con las imágenes requirió paciencia y algo de ensayo previo, pero el resultado final fue hipnótico.
Cada sintetizador, golpe de batería y acorde pareció fusionarse orgánicamente con la narrativa visual. Mientras Amnesiac creó una atmósfera etérea y experimental, fue Kid A el que logró resonar más profundamente con el tono oscuro y gótico de la película. La canción “Everything in Its Right Place” se convirtió en el acompañamiento perfecto para las escenas más inquietantes y poéticas, como cuando la sombra de Count Orlok se extiende amenazante sobre la ciudad. 
Las pausas necesarias para cambiar los discos se convirtieron en momentos de reflexión sobre la narrativa y el arte de la película. Aunque Nosferatu tiene momentos cringe y risibles propios del cine mudo, la combinación con la música de Radiohead creó una experiencia inmersiva y emocionalmente resonante. Incluso los momentos más exagerados del filme adquirieron un nuevo significado, haciendo que los sintetizadores y acordes amplificaran el impacto emocional de las escenas clave.
El experimento también invitó a reflexionar sobre la naturaleza del vampiro como figura cultural. La relación entre la narrativa visual de Nosferatu y la atmósfera de las canciones de Radiohead evocó una conexión entre lo antiguo y lo contemporáneo, explorando cómo los vampiros, tanto literales como figurativos, continúan fascinando y aterrorizando en un contexto moderno.
De la proyección casera al cine: Eggers y el renacimiento de Nosferatu
Tras nuestra experiencia casera, acudimos emocionados a ver la versión de Nosferatu dirigida por Robert Eggers. Decidimos ir al cine VIP en Galerías, lo cual fue una acertada decisión.
Este director, conocido por su estilo visual distintivo y narrativas góticas en filmes como The Witch, The Lighthouse y The Northman, ha logrado una reinterpretación que respeta la esencia del original mientras introduce nuevas capas temáticas y emocionales.
El cambio narrativo más significativo es que la historia ahora se centra en Ellen, en lugar de Thomas, interpretada magistralmente por Lily-Rose Depp. Su actuación captura la tragedia y la resistencia de un personaje atrapado entre el amor humano y la atracción monstruosa de Orlok. Desde convulsiones y espasmos hasta miradas de desesperación y placer, Depp ofrece una actuación transformadora que redefine su carrera. Este cambio permite explorar temas de agencia femenina y obsesión desde una perspectiva más profunda. Aunque los vampiros siempre han sido figuras de deseo, Eggers reimagina a Orlok como una criatura grotesca y animal, alejándolo del romanticismo tradicional.
Bill Skarsgård, como el icónico vampiro, entrega una actuación inolvidable. Su voz grave y su presencia física grotesca intensifican el terror de su personaje, alejándose del vampiro glamoroso y acercándolo a un cadáver viviente. La manera en que Skarsgård encarna a Orlok es fascinante; cada palabra, gesto y mirada está cargada de una amenaza palpable. La decisión de Eggers de usar efectos prácticos, como ratas y lobos reales, aumenta la sensación de realismo y horror.
La cinematografía en blanco y negro rinde homenaje al clásico mientras inyecta una estética moderna. Las escenas son meticulosamente compuestas, y la iluminación juega un papel crucial para capturar la atmósfera opresiva y gótica. La paleta monocromática también resalta los contrastes entre la vida y la muerte, el deseo y el terror.
El elenco de apoyo también brilla. Willem Dafoe aporta una presencia misteriosa y amenazante, mientras que Nicholas Hoult captura perfectamente la desesperación de un hombre atrapado en un ciclo de horror y sacrificio. Aaron Taylor-Johnson, como un escéptico hombre de familia, aporta una perspectiva terrenal que contrasta con la oscuridad sobrenatural de la historia.
Reflexiones finales
Nosferatu vale la pena. Tendré, como cada vez que una historia me atrapa, que visitar el lore de Nosferatu, ver sus películas que no he visto para observar cada interpretación y puesta en escena de este personaje. Volveré a leer Drácula de Bram Stoker para ver cómo ese vampiro se volvió Nosferatu.
De la versión de 1922 acompañada por la música de Radiohead a la poderosa reinterpretación de Eggers, Nosferatu demuestra ser una obra atemporal y multifacética. Vayan a YouTube y véanla, pongan a Radiohead de fondo y véanla de nuevo. Ambas experiencias resaltan cómo las historias clásicas pueden ser reimaginadas para resonar con nuevas audiencias.
El legado de Nosferatu está más vivo que nunca, y su influencia sigue permeando la cultura pop, desde su aparición en Bob Esponja hasta su resurrección en el cine contemporáneo. Al combinar lo viejo con lo nuevo, Nosferatu continúa acechando nuestra imaginación y redefiniendo lo que el cine puede ser.
Robert Eggers ha demostrado una vez más ser un maestro del cine, y su Nosferatu es una carta de amor al horror clásico y una innovación que marca un nuevo estándar para el género. El impacto de esta película será recordado durante décadas como un ejemplo de cómo el cine puede ser arte, miedo y belleza al mismo tiempo.